Artistas abstractos

El polifacético pintor catalán se inició en el dibujo y la pintura de la mano de su padre, Albert Ràfols Cullerés. Tras adentrarse en los estudios de arquitectura, finalmente se decantó por el desarrollo de la pintura y expuso por primera vez en Barcelona en 1946 con el grupo Els Vuit.

El escultor estadounidense Alex Calder nació en el seno de una familia de artistas y una de las circunstancias más destacadas de su desarrollo creativo fue el hecho de que intentó distanciarse de la tendencia familiar realizando estudios de ingeniería mecánica en el Stevens Institute of Technology después de la escuela secundaria. Sin duda, su formación de ingeniero fue crucial en el desarrollo de su singular obra.

El artista catalán comenzó su carrera profesional realizando dos cursos libres de dibujo al natural en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi en el año 1952. Al cabo de un año, su técnica giró hacia la abstracción en su vertiente más expresionista. En 1969 formó parte, con Antoni Angle, Llorenç Balsach Grau, Joan Josep Bermúdez, Manuel Duque, José Llorens, Joaquim Montserrat y Luis Vila Plana, siguiendo la corriente de la Action painting, del Grupo Gallot, que realizó varias acciones en la calle, en Sabadell y en Barcelona.

Uno de los artistas más icónicos de la segunda mitad del siglo XX se llamaba Andrew Warhola, aunque se adaptó con el nombre artístico de Andy Warhol. Procedía de una familia de inmigrantes eslovacos. Desde muy pequeño mostró grandes dotes artísticas. De este modo sobresale en sus primeras clases de arte en el Carnegie Institute hasta que consigue graduarse.

Tras recibir algunas clases esenciales de arte, el artista barcelonés viajó a Francia en el año 1939. Las corrientes que conoció le llevaron a transitar primero entre la corriente informalista de posguerra y posteriormente hacía el expresionismo de los sesenta. Es fundamental entender su pericia de grabador para comprender su labor como pintor, ya que recorre ambas técnicas con las mismas temáticas. A este respecto, su producción gráfica se articula en torno a dos ejes: la experimentación y la tradición a la vez que, desde el punto de vista del lenguaje, Clavé fluctúa entre la referencia figurativa y la abstracción.

Antoni Tàpies i Puig es hoy una institución internacional muy consolidada y uno de los artistas más influyentes de la segunda mitad del siglo XX en España. El creador catalán fue también uno de los principales representantes del informalismo, la corriente que combina tradición e innovación dentro de un marco abstracto, aunque lleno de simbolismo. Muchos quieren ver una obra espiritual aun siendo decisivo el peso material en ella. Tapies creció en un ambiente liberal desde su infancia.

Formado en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, donde se reencontró con Daniel Vázquez Díaz, del que había sido discípulo durante la guerra, Lorenzo conectó pronto con los medios renovadores. Desde ese momento comienza las experiencias de pintura abstracta, influido por el contacto con pintores americanos y algún español, Gerardo Rueda especialmente.

El pintor Antonio Saura nació en Huesca el 22 de septiembre de 1930. La formación del genial artista fue autodidacta. La carrera del artista se relaciona con una temprana visita al prado junto a su padre, antes de contraer la tuberculosis a los trece años y permanecer confinado durante cinco años.

Rafael Canogar es un pintor español, ​uno de los principales representantes del arte abstracto en España.​​ Discípulo de Daniel Vázquez Díaz, en sus primeras obras encontró la manera de alcanzar las vanguardias y, muy pronto, estudiar profundamente la abstracción.

El joven Eduardo Chillida comenzó sus estudios de Arquitectura en Madrid, pero a los pocos años decidió abandonar la carrera para comenzar a dibujar con total libertad en el Círculo de Bellas Artes de la capital española. Su alta pericia en el dibujo le llevó a experimentar usando su mano izquierda para así poder equilibrar sus pensamientos con la mano que ejecutaba el dibujo, ambas sendas, la introducción en la arquitectura y la huida hacia el dibujo intelectual, serán cruciales en la maduración de su lenguaje creativo.

Las obras al aire libre de Christo y Jeanne-Claude se consideran algunas de las más ambiciosas e innovadoras del mundo, aunque a menudo son controvertidas debido a su tamaño y su cuestionable impacto en el medio ambiente. Para abordar estas controversias, los artistas realizaron exhaustivos estudios de impacto ambiental y reciclaron todos los materiales que fabricaron expresamente.

Emil Schumacher experimentó un alto reconocimiento internacional desde mediados de la década de 1950 como uno de los exponentes más importantes del Informel. Numerosos premios internacionales, de los cuales el Premio Guggenheim de Nueva York en 1958 es solo el comienzo, honran la obra del artista. También en 1958 fue nombrado profesor de la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo.

La devoción de Bacon por su arte contrastaba curiosamente con su tema y la excéntrica miseria de su vida personal. Debido a que destruyó muchas de sus primeras obras, solo se pueden encontrar algunos ejemplos, principalmente en museos estadounidenses y europeos.

Francisco Moreno Galván, fue un pintor y poeta español. Entre 1941 y 1946 cursó estudios de Bellas Artes en Sevilla.​ Artista muy arraigado en su localidad natal, Moreno Galván también residió en Madrid entre 1951 y 1977, relacionándose con el mundo cultural de la capital española de este periodo.

La vida de Frans Minnaert como artista fue un viaje constante, una búsqueda de su propia verdad. Los paisajes en los que vivió y las personas que conoció fueron sus temas familiares. Aunque su forma de interpretar ha evolucionado, se nota que sus últimos trabajos todavía conectan y construyen sobre su obra anterior.

El artista británico estudio en las prestigiosas instituciones londinenses de Slade School of Fine Art, London College of Printing y St. Martin’s School of Art, London.

El pintor francés es uno de los más importantes revolucionarios del arte del siglo XX que, junto con Pablo Picasso, desarrolló es estilo denominado como el Cubismo. Sus pinturas consisten principalmente en naturalezas muertas que son notables por su construcción robusta, armonías de colores discretas y calidad serena y meditativa.

Lambert quedó muy impresionado por la tradición artística española y muy especialmente por la obra de Diego Velázquez. Inicialmente basado en París, se mudó a Londres en 1902, estableciendo una reputación significativa como realista académico y exhibiendo regularmente en la Royal Academy.

Torner está adscrito en el denominado grupo de Cuenca, surgido en los años cincuenta y próximo a artistas del grupo El Paso, además junto con Gerardo Rueda y Fernando Zóbel forma la llamada "escuela conquense", la cual constituyó una de las primeras iniciativas de introducir en España las nuevas corrientes del arte moderno, en la década de 1960, siendo la fundación del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, museo del que es cofundador. Su principal iniciativa ejemplifica la posibilidad de un arte que no abandona nunca la referencia al mundo real como motivo y fundamento, desde un vocabulario plástico aparentemente abstracto.

Poeta y pintora, Jacinta Gil Roncales es sin duda una de las figuras más arrolladoras de esta colección.

Su formación la realizó en la Facultad de Bellas Artes En Barcelona. Una vez que hubo acabado realizó la peregrinación fundamental que los artistas nacionales realizaban para empaparse de las corrientes internacionales, viajó a París. Una vez que conoció in situ la poderosa corriente creativa que barría Europa, el informalismo, se olvidó de la tendencia formal que venía realizando de naturaleza geometrizante.

Jorge Castillo encarna la figura del creador español errante. Al poco tiempo de estallar la guerra civil española, su familia, profundamente republicana, se exilió en Argentina para huir de la barbarie fascista. Desde muy joven, abandonó los estudios y comenzó su producción artística a las afueras de Buenos Aires.

Jorge Oteiza es sin duda uno de los creadores vascos más reconocido e influyente del siglo XX. Se debe hablar de su obra como una línea de creación artística «oteiciana» tanto en su vertiente teórica como en la práctica. La maduración de su carrera se da desde los años cincuenta y la influencia de su lenguaje permanece hasta nuestros días, en diferentes disciplinas como la escultura, la pintura, la arquitectura.

El artista granadino José Guerrero es el paradigma de la incorporación de la corriente del expresionismo abstracto en la efervescente España de los años sesenta y setenta. José Guerrero fue un creador con una gran voracidad por las últimas tendencias creativas a nivel global.

La figura de este artista catalán es imprescindible para comprender la construcción de la identidad artística de la España contemporánea, ya que su reconocible obra se ha fijado en el imaginario colectivo y sigue siendo referencia para creadores y amantes del arte.

En sus primeras obras se manifiesta como seguidor de un estilo abstracto expresionista. En 1984 participa en la Feria Anual Arco'84. En 1986 se traslada junto a su compañera Victoria Civera a Nueva York y establece su estudio en Brooklyn.

El artista madrileño fue uno de los miembros fundadores del Grupo El Paso y se le reconoce como uno de los nombres claves del arte contemporáneo español. Su lenguaje creativo maduró hasta recorrer la abstracción de corte armónico y refinado, por lo que se alejó de la violencia expresionista del informalismo.

El artista granadino comenzó aprendiendo el oficio de escultor en el taller del imaginero Martín Simón, pero rápidamente se decantó por la pintura como medio de expresión. Estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Granada y, en 1942, viaja por primera vez a Madrid, donde se quedará impresionado con el Museo del Prado. Entra en la Escuela Superior de Bellas Artes de Sevilla en 1945 y, en 1947, expone su obra en la Asociación de la Prensa de Granada. En la década de los 50 comienza su etapa abstracta.

Martín Chirino López ​fue un escultor español. Cofundador del grupo El Paso en 1957, Chirino empleó principalmente el hierro y su obra se enmarca dentro del arte abstracto.

Manuel Millares Sall, más conocido como Manolo Millares, fue un pintor y grabador canario del siglo XX, nacido en Las Palmas de Gran Canaria el 17 de enero de 1926 y fallecido en la capital de España el 14 de agosto de 1972.

El genial pin­tor y es­cul­tor, ini­cia su for­ma­ción en la Es­cue­la de Artes y Ofi­cios de Palma de Ma­llor­ca, donde es­tu­dia­rá entre 1972 y 1973. En 1974 de­bu­ta in­di­vi­dual­men­te, con tan sólo die­ci­sie­te años, en la Ga­le­ría Pi­ca­rol de Ma­llor­ca. Ese mismo año se tras­la­da a Bar­ce­lo­na, donde se ma­tri­cu­la en la Es­cue­la de Be­llas Artes Sant Jordi, y rea­li­za su pri­mer viaje a París.

Guayasamín aunó la fuerza de la temática indígena con los logros de las vanguardias de principios de siglo, especialmente el cubismo y el expresionismo, elementos que se advierten en el mural en mosaico de cristal veneciano denominado Homenaje al Hombre Americano, que realizó en 1954 para el Centro Simón Bolívar de la ciudad de Caracas, Venezuela.

Su obra es un arte analítico y por ello representa la voluntad de explorar lo material y simbólico del universo a través del lenguaje geométrico. Sus inquietudes creativas lo llevan a analizar la vanguardia constructivista y los estudios sobre matemática, metafísica, alquimia y la cábala. La síntesis entre construcción y misticismo marca todo su trabajo de manera muy significativa.

Pablo Picasso es una de las figuras más relevantes de la historia del arte del siglo XX. Español de nacimiento, su figura se consolidó en París y fue una de las semillas esenciales para el desarrollo de las vanguardias. Profundamente estudiada, su producción artística evolucionó en diferentes líneas separadas por el mundo de la crítica en períodos como el azul, rosa o blanco y negro, además del cubismo que inventó junto a Braque.

Entre las preocupaciones de Rauschenberg desde la década de 1970 hasta la de 1990 se encuentran la litografía y otras técnicas de grabado. Continuó incorporando imágenes de los medios impresos comerciales, pero comenzó a depender más de su propia fotografía.

Durante toda su vida, Matta, conoció y se relacionó con innumerables artistas e intelectuales con los que entabló amistad y cruzó influencia. Entre otros muchos: Le Corbousier, Neruda, García Lorca, Alberti, Marcel Duchamp -fuente esencial para él-, Picasso, Dalí, André Breton –quien le declara “surrealista”-, Gabriela Mistral, Magritte, Marx Ernst, Henry Moore, W. Baziotes, Buñuel, García Márquez o Gordon Onslow-Ford.

Josep Maria Subirachs i Sitjar ​ fue un escultor, pintor, grabador, escenógrafo y crítico de arte español.